Pintura: La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, de Rembrandt
Autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Fecha: 1.632
Museo: Mauritshuis (La Haya, Holanda)
Medidas: 169´5 x 216 cm
Soporte: óleo sobre lienzo
Análisis del cuadro
Rembrandt pintó el cuadro en 1.632, a la edad de 26 años Sabemos la fecha porque la plasmó en el cuadro, junto a la signatura. Fue su primer retrato de grupo, un encargo del Gremio de Cirujanos de Ámsterdam, del cual Nicolaes Tulp era el anatomista oficial. Tulp, además de un eminente cirujano, fue un político destacado en Ámsterdam.
En el cuadro distinguimos a Tulp (es el único que lleva sombrero); y siete espectadores (sabemos su nombre porque uno de ellos sostiene una lista con sus nombres). Tienen caras muy expresivas: interés, atención, admiración… Estos espectadores pagaron por ser incluidos en el cuadro (aunque Rembrandt modificó el cuadro en varias ocasiones, al parecer, incluyó algunos espectadores más a la composición). Quien no pagó para aparecer en el cuadro fue el muerto, Aris Kindt, el pseudónimo de Adriaan Adriaanszoon. Adriaan Adriaanszoon era un criminal, que fue ahorcado el día mismo de la disección (16 de enero de 1.632) por robo a mano armada.
En el cuadro, Tulp está impartiendo una lección sobre los músculos y tendones del brazo. Con una mano ejecuta un movimiento demostrativo, y con unos fórceps se dispone a tensar los tendones del cadáver, a fin de hacer qua la mano cambie de forma. Observamos que hay un libro abierto en la esquina inferior izquierda del cuadro. Seguramente se trata de “De humani corporis fabrica” (De la estructura del cuerpo humano); un libro de texto de anatomía de Andrés Vesalio. (1.514-1.5649); de 1.543. Observamos un potente claroscuro: un gran foco de luz ilumina las caras de los asistentes y el cadáver, sus vestidos son negros, y el fondo es un conjunto de sombras negras y vagas. Observamos también que los asistentes van vestidos solemnemente, pues una disección era un importante evento social en la época.
Se ha elogiado la exactitud de Rembrandt en el dibujo de los tendones y los músculos. Sin embrago, encontramos dos errores anatómicos principales:
- El brazo disecado (el izquierdo) es más largo que el derecho. También la mano es diferente, de modo que se supone que los dos elementos provienen de otro modelo.
- El otro error anatómico está relacionado con el músculo flexor superficial, que no se insiere en el húmero, cómo está pintado en el cuadro
Observamos, por último, que la cara del cadáver está parcialmente en sombra. Esto sugiere la umbra mortis (sombra de la muerte), una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia.
Acerca de la época y el tema
Un científico tan importante cómo Nicolaes Tulp, no se ensució las manos para preparar el cadáver, de esto se ocupaba el preparador.
Las disecciones eran (cómo ya hemos comentado), un gran acontecimiento social; pero además, uno muy raro. El Gremio de Cirujanos de Ámsterdam sólo permitía una disección pública al año; en invierno (para mayor conservación del cuerpo); y el cuerpo tenía que ser de un criminal ajusticiado (con o sin autorización). Las clases se daban en salas de conferencias, o teatros de anatomía. La entrada se pagaba, y asistían estudiantes, público en general…
Las disecciones fueron también una gran revolución científica. Durante la Edad Media, la disección de cadáveres fue prohibida por la Iglesia católica. Esto era una gran limitación para la medicina, puesto que el cuerpo sólo podía ser estudiado por fuera. No obstante, es sabido que personajes destacados sí estudiaron cadáveres: Miquelangelo por ejemplo estudió cadáveres para estudiar la Capilla Sextina; i Leonardo da Vinci inyectaba cera líquida en los órganos para darles volumen y dibujarlos. Poder estudiar el cuerpo por dentro contribuyó en gran medida al avance de la medicina.
Finalmente, podemos hacer una lectura política. Una disección era un acto impensable en la Europa católica. Peor aún sería intentar plasmarlo en un cuadro. La Santa Inquisición hubiera intervenido contra el autor del cuadro y el demandante. Así pues, el tema de la obra se explica porque en aquel entonces los Países Bajos habían logrado su independencia del Imperio Español, y estaban integrados en la Reforma Luterana. Gozaban de una marcada independencia religiosa. Esto es lo que plasma el cuadro: un fenómeno impensable en la Europa católica, en un lugar a salvo de esta influencia, donde los artistas pueden pintar disecciones sin temor a las represalias del Tribunal de la Santa Inquisición.
Soporte: óleo sobre lienzo
Análisis del cuadro
Rembrandt pintó el cuadro en 1.632, a la edad de 26 años Sabemos la fecha porque la plasmó en el cuadro, junto a la signatura. Fue su primer retrato de grupo, un encargo del Gremio de Cirujanos de Ámsterdam, del cual Nicolaes Tulp era el anatomista oficial. Tulp, además de un eminente cirujano, fue un político destacado en Ámsterdam.
En el cuadro distinguimos a Tulp (es el único que lleva sombrero); y siete espectadores (sabemos su nombre porque uno de ellos sostiene una lista con sus nombres). Tienen caras muy expresivas: interés, atención, admiración… Estos espectadores pagaron por ser incluidos en el cuadro (aunque Rembrandt modificó el cuadro en varias ocasiones, al parecer, incluyó algunos espectadores más a la composición). Quien no pagó para aparecer en el cuadro fue el muerto, Aris Kindt, el pseudónimo de Adriaan Adriaanszoon. Adriaan Adriaanszoon era un criminal, que fue ahorcado el día mismo de la disección (16 de enero de 1.632) por robo a mano armada.
En el cuadro, Tulp está impartiendo una lección sobre los músculos y tendones del brazo. Con una mano ejecuta un movimiento demostrativo, y con unos fórceps se dispone a tensar los tendones del cadáver, a fin de hacer qua la mano cambie de forma. Observamos que hay un libro abierto en la esquina inferior izquierda del cuadro. Seguramente se trata de “De humani corporis fabrica” (De la estructura del cuerpo humano); un libro de texto de anatomía de Andrés Vesalio. (1.514-1.5649); de 1.543. Observamos un potente claroscuro: un gran foco de luz ilumina las caras de los asistentes y el cadáver, sus vestidos son negros, y el fondo es un conjunto de sombras negras y vagas. Observamos también que los asistentes van vestidos solemnemente, pues una disección era un importante evento social en la época.
Se ha elogiado la exactitud de Rembrandt en el dibujo de los tendones y los músculos. Sin embrago, encontramos dos errores anatómicos principales:
- El brazo disecado (el izquierdo) es más largo que el derecho. También la mano es diferente, de modo que se supone que los dos elementos provienen de otro modelo.
- El otro error anatómico está relacionado con el músculo flexor superficial, que no se insiere en el húmero, cómo está pintado en el cuadro
Observamos, por último, que la cara del cadáver está parcialmente en sombra. Esto sugiere la umbra mortis (sombra de la muerte), una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia.
Acerca de la época y el tema
Un científico tan importante cómo Nicolaes Tulp, no se ensució las manos para preparar el cadáver, de esto se ocupaba el preparador.
Las disecciones eran (cómo ya hemos comentado), un gran acontecimiento social; pero además, uno muy raro. El Gremio de Cirujanos de Ámsterdam sólo permitía una disección pública al año; en invierno (para mayor conservación del cuerpo); y el cuerpo tenía que ser de un criminal ajusticiado (con o sin autorización). Las clases se daban en salas de conferencias, o teatros de anatomía. La entrada se pagaba, y asistían estudiantes, público en general…
Las disecciones fueron también una gran revolución científica. Durante la Edad Media, la disección de cadáveres fue prohibida por la Iglesia católica. Esto era una gran limitación para la medicina, puesto que el cuerpo sólo podía ser estudiado por fuera. No obstante, es sabido que personajes destacados sí estudiaron cadáveres: Miquelangelo por ejemplo estudió cadáveres para estudiar la Capilla Sextina; i Leonardo da Vinci inyectaba cera líquida en los órganos para darles volumen y dibujarlos. Poder estudiar el cuerpo por dentro contribuyó en gran medida al avance de la medicina.
Finalmente, podemos hacer una lectura política. Una disección era un acto impensable en la Europa católica. Peor aún sería intentar plasmarlo en un cuadro. La Santa Inquisición hubiera intervenido contra el autor del cuadro y el demandante. Así pues, el tema de la obra se explica porque en aquel entonces los Países Bajos habían logrado su independencia del Imperio Español, y estaban integrados en la Reforma Luterana. Gozaban de una marcada independencia religiosa. Esto es lo que plasma el cuadro: un fenómeno impensable en la Europa católica, en un lugar a salvo de esta influencia, donde los artistas pueden pintar disecciones sin temor a las represalias del Tribunal de la Santa Inquisición.
Escultura: Apolo y Dafne
Autor: Gianlorenzo Bernini
Fecha: 1.622-1.625
Museo: Galería Borghese (Roma, Italia)
Altura: 243 cm
Material: mármol blanco
Análisis de la escultura
Bernini creó la escultura a los 24 años para el cardenal Scipione Borghese. La escultura, de tamaño real, siempre ha estado en la misma galería. La representación de un mito pagano en la villa de un cardenal, se justificó por unos versos morales compuestos en latín por el cardenal Maffeo Barberini (posteriormente el papa Urbano VIII); gravados en la base de la estatua: Los que buscan placeres efímeros, al final sólo encuentran hojas y bayas amargas en sus manos.
La escultura recoge una historia mitológica de las Metamorfosis, de Plubio Ovidio Nasón. En ella, Apolo, dios de las profecías y la belleza masculina, se burló de Cupido, hijo de Venus. Apolo le dijo a Cupido que su arco era un juguete, que no hacía daño. Por el contrario, el arco de Apolo sí era poderoso, podía herir de verdad. Para vengarse, Cupido disparó una flecha con una punta de oro a Apolo, el cual se enamoró de Dafne. Dafne (hija del dios río Peneo) era una ninfa de los bosques, que rehusaba todos los amantes, y le gustaba la soledad. Cupido le disparó a ella una flecha con la punta de plomo, que causó que Dafne sintiera repulsión hacia Apolo. Apolo intentó seducir a Dafne. Esta echó a correr, pues sentía honda repulsión hacia Apolo, y además quería conservar su virginidad. Dafne, no podía escapar de Apolo. Ápolo estaba a punto de coger a Dafne, cuándo esta rezó a la madre Tierra o a su padre (hay diferentes versiones), para ser salvada de su divino acosador. Así pues, justo en el momento en el que Apolo había cogido a la ninfa, ésta se empezó a transformar en un laurel. Creció corteza por su suave piel, sus uñas se multiplicaban en un sinfín de hojas, y sus brazos se convertían en frondosas ramas. Al concluir la metamorfosis, Apolo podía aún sentir el corazón de Dafne bajo la corteza. Muy afligido, Apolo tomó el laurel cómo su símbolo, e hizo una corona con él.
La escultura muestra algunas características barrocas:
- Realismo: muestra el cuerpo humano con objetividad
- Dinamismo: Apolo está proyectando su cuerpo hacía Dafne, es una escultura absolutamente dinámica. Los cabellos de los dos están en movimiento
- Emotividad: la escultura barroca muestra un momento de gran emotividad y tensión. Por ejemplo, el David de Miquelangelo es el momento antes de enfrentarse a Goliat, mientras que el David de Bernini es el momento justo en el que David lanza la piedra contra el gigante. Este es el caso de Apolo y Dafne, representa el momento exacto en el que Dafne se convierte en árbol. Las caras de los dos son también muy expresivas; y muestran un gran contraste de emociones
Por último, queríamos comentar que hay que ver la escultura desde todos los ángulos para tener una visión completa: la escultura es diferente dependiendo del ángulo desde el que se mira. La escultura es incluso un poco diferente en función del ángulo desde el que se observa la escultura.
Fecha: 1.622-1.625
Museo: Galería Borghese (Roma, Italia)
Altura: 243 cm
Material: mármol blanco
Análisis de la escultura
Bernini creó la escultura a los 24 años para el cardenal Scipione Borghese. La escultura, de tamaño real, siempre ha estado en la misma galería. La representación de un mito pagano en la villa de un cardenal, se justificó por unos versos morales compuestos en latín por el cardenal Maffeo Barberini (posteriormente el papa Urbano VIII); gravados en la base de la estatua: Los que buscan placeres efímeros, al final sólo encuentran hojas y bayas amargas en sus manos.
La escultura recoge una historia mitológica de las Metamorfosis, de Plubio Ovidio Nasón. En ella, Apolo, dios de las profecías y la belleza masculina, se burló de Cupido, hijo de Venus. Apolo le dijo a Cupido que su arco era un juguete, que no hacía daño. Por el contrario, el arco de Apolo sí era poderoso, podía herir de verdad. Para vengarse, Cupido disparó una flecha con una punta de oro a Apolo, el cual se enamoró de Dafne. Dafne (hija del dios río Peneo) era una ninfa de los bosques, que rehusaba todos los amantes, y le gustaba la soledad. Cupido le disparó a ella una flecha con la punta de plomo, que causó que Dafne sintiera repulsión hacia Apolo. Apolo intentó seducir a Dafne. Esta echó a correr, pues sentía honda repulsión hacia Apolo, y además quería conservar su virginidad. Dafne, no podía escapar de Apolo. Ápolo estaba a punto de coger a Dafne, cuándo esta rezó a la madre Tierra o a su padre (hay diferentes versiones), para ser salvada de su divino acosador. Así pues, justo en el momento en el que Apolo había cogido a la ninfa, ésta se empezó a transformar en un laurel. Creció corteza por su suave piel, sus uñas se multiplicaban en un sinfín de hojas, y sus brazos se convertían en frondosas ramas. Al concluir la metamorfosis, Apolo podía aún sentir el corazón de Dafne bajo la corteza. Muy afligido, Apolo tomó el laurel cómo su símbolo, e hizo una corona con él.
La escultura muestra algunas características barrocas:
- Realismo: muestra el cuerpo humano con objetividad
- Dinamismo: Apolo está proyectando su cuerpo hacía Dafne, es una escultura absolutamente dinámica. Los cabellos de los dos están en movimiento
- Emotividad: la escultura barroca muestra un momento de gran emotividad y tensión. Por ejemplo, el David de Miquelangelo es el momento antes de enfrentarse a Goliat, mientras que el David de Bernini es el momento justo en el que David lanza la piedra contra el gigante. Este es el caso de Apolo y Dafne, representa el momento exacto en el que Dafne se convierte en árbol. Las caras de los dos son también muy expresivas; y muestran un gran contraste de emociones
Por último, queríamos comentar que hay que ver la escultura desde todos los ángulos para tener una visión completa: la escultura es diferente dependiendo del ángulo desde el que se mira. La escultura es incluso un poco diferente en función del ángulo desde el que se observa la escultura.
Para la esposición oral iría bien que tuvierais algunas anotaciones de lo que váis a comentar. Se trata de una sugerencia. Muy bien.
ResponderEliminarEs un placer visitar este blog. Gracias
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